Vincent Lecomte et Luc Petton | En compagnie des oiseaux | nov. 2022

Entretien de Vincent Lecomte avec Luc Petton

Luc Petton a d’abord été formé aux arts martiaux avant de rejoindre, au tournant des années 80, différentes compagnies de danse, en France, en Allemagne et aux États-Unis. Il devient ensuite chorégraphe et crée en 1985 avec Marilén Iglesias-Breuker la compagnie Icosaèdre, menant entre autres des projets proches de la performance et tissant des liens étroits avec le Japon. Fondateur en 1994 de la compagnie Le Guetteur, il n’hésite pas à monter des spectacles faisant appel à des  interprètes extérieurs au milieu de la danse. Il s’agira notamment, avec Polemos en 1999, de provoquer la rencontre entre deux danseurs et trois champions du monde de karaté.  Axant sa recherche sur les mouvements aériens, il s’intéressera au vol et à l’apesanteur.

Suivant sa passion pour les oiseaux, qui le conduisit à pratiquer en amateur l’ornithologie, il décide au début des années 2000 de dépasser la simple inspiration mimétique pour créer, sous le titre générique La Confidence des oiseaux, des chorégraphies dans lesquelles des volatiles prennent place auprès des danseurs. À la suite du succès de cette série de spectacles, il crée Swan, pièce chorégraphique pour danseuses et cygnes. Grâce à la présence de ces animaux, il aura également à cœur d’atteindre des publics peu familiarisés avec l’univers de la danse, quels que soient leur âge, leur origine sociale et culturelle.

Initiant, en 2014, un quadriptyque en collaboration avec des grues de Mandchourie, il noue une relation particulière avec la Corée du Sud où il se rendra à plusieurs reprises. À partir de 2017 il crée des œuvres pour danseurs, circassiens, oiseaux et même un loup. Par ailleurs, Luc Petton s’est peu à peu tourné vers des pratiques contemplatives et méditatives telles que le Zen, le Vipassanā ou la Mindfulness, véritables objets de recherches qu’il expérimentera en regard de certaines de ses créations.

Light Bird de Luc Petton, 2015 – Photos Alain Julien

Vincent Lecomte : Vous avez monté de nombreux spectacles mettant en scène des animaux, notamment des oiseaux. Vous souvenez-vous de la première fois que cette idée vous est venue ?


Luc Petton : Avant toute chose, j’aimerais citer les collaborateurs qui travaillent avec moi. En effet, tous mes spectacles avec oiseaux ont été co-signés, pour la dramaturgie et la chorégraphie, avec Marilén Iglesias-Breuker. Chacune de ces créations a fait l’objet d’une création musicale du compositeur Xavier Rosselle et d’une création lumière de Sylvie Vautrin. 

J’ai toujours su qu’il était possible de communiquer avec les animaux, ayant été marqué enfant par le personnage iconique de François d’Assise. Le projet est resté tapi dans mon esprit jusqu’à ce qu’un événement vienne le vivifier. En 1999 j’ai acheté une petite maison à la campagne, près de Reims. Le printemps de cette année-là a été extrêmement généreux, avec un nombre incroyable d’oiseaux venus nous visiter. La même émotion d’émerveillement que celle de ma jeunesse est alors remontée en moi et a engendré le rêve d’un premier spectacle avec des oiseaux de notre environnement, des pies, des geais, des corneilles, etc. Des espèces tellement proches de nous que nous ne les voyons parfois plus.

Avant la concrétisation sur scène, il aura fallu quatre années de préparation : le temps nécessaire pour monter le financement, trouver les oisillons, les élever, préparer le lieu pour que les oiseaux s’en imprègnent, constituer les équipes d’animaliers et d’artistes, approcher les théâtres et les festivals pour la diffusion du spectacle.


VL : Comment ce travail a-t-il évolué au fur et à mesure des spectacles ? Procédez-vous différemment aujourd’hui d’il y a maintenant presque vingt ans ?


LP : Ce travail est en constante évolution, en constante adaptation devrais-je dire. L’oiseau étant par essence insaisissable, ma principale préoccupation a été de créer les conditions pour qu’émerge une véritable relation, laissant toute sa place à l’expression naturelle de l’oiseau et celle des danseurs, leur dialogue. Ce qui est à l’opposé de toute idée de dressage. Le principe est celui de l’imprégnation découvert par Konrad Lorenz notamment avec les cygnes et les grues. Quelques jours avant l’éclosion, dès qu’on les entend pépier nous leur parlons et leur faisons entendre les musiques qui les accompagneront lors du spectacle.


VL : En quoi la présence animale force-t-elle à repenser l’idée d’implication, et d’improvisation ? Que fait ou défait l’animal dans la pensée d’une chorégraphie…. Et dans celle d’un chorégraphe ?


LP : L’oiseau indéniablement nous guide vers l’ouvert et nous ramène à l’instant présent. Il est capable d’intégrer toute situation s’il y a été préparé sans brusquerie. Sa capacité de mémoire est très grande. Il nous est arrivé de reprendre des spectacles après plusieurs mois d’arrêt et de constater que pour eux il semblait que la dernière représentation avait eu lieu la veille. Ils retrouvaient leurs marques.

L’animal nous destitue de notre position centrale et dominante. Le chorégraphe doit accepter de s’effacer plutôt que diriger, et laisser libre cours aux vivants en présence. Mon travail consiste alors à composer sur le vif, en tenant compte de l’expérience qui s’intensifie jour après jour, représentation après représentation, pour induire des situations qui vont se développer avec la maturation du spectacle. C’est une façon d’accepter le fait que le spectacle est en perpétuelle création. Un spectacle fragile mais bien vivant.

L’interprète-danseur doit lui aussi faire preuve d’une très grande ouverture d’esprit et d’humilité pour accepter les agissements aléatoires de l’interprète-oiseau. Il n’est pas facile pour un artiste du mouvement de s’abstenir de bouger, d’accepter le silence.

Light Bird de Luc Petton, 2015 – Photos Alain Julien

VL : Constatez-vous une évolution dans la réception de vos spectacles ? Et, si c’est le cas, à quoi est-elle due ?


LP : Les spectateurs m’ont manifesté de l’émerveillement, de la joie et de la gratitude. Je me suis rendu compte combien il était important d’offrir au public des instants de pures émotions qui touchent parfois à l’immémorial. Mais à partir de 2016 nous avons commencé à sentir monter une incompréhension de la part de certaines personnes arcboutées sur l’utilisation d’animaux vivants sur scène. Elles ne comprenaient pas que le message délivré est celui de l’attention et du plus grand respect de l’animal.

Le phénomène s’est accentué jusqu’en 2020, année à partir de laquelle il est devenu presque impossible ne serait-ce que d’en évoquer l’idée.


VL : Avez-vous joué avec le caractère fascinant, surprenant, séduisant de l’animal sur scène et acteur du spectacle ? Ou, au contraire, tentez-vous de le déjouer ?


LP : Je joue non pas avec l’animal générique mais avec chaque individu en particulier, humain comme non-humain, avec les singularités de chacun que je convoque dans un dialogue fécond. L’aspect fascinant et intrigant vient du regard porté par le spectateur même si ce n’est pas le point de départ pour la composition. À mes yeux l’homme n’est pas au centre de la Création, c’est pourquoi il n’est pas au centre de mes créations. C’est la relation qui en est le centre, autour de laquelle tout gravite.

Le piège eût été d’être fasciné par l’oiseau ; trop de lumière éblouit et empêche de voir la réalité.


VL : Peut-on dire, de la même manière que l’on peut parler d’« art animalier » – on songe à la peinture ou au dessin, entre autres –, qu’il s’agit de spectacles ou de chorégraphies animalières ?


LP : Il ne s’agit en aucune manière de spectacle animalier. Pour moi, il s’agit d’un acte de création dans toute son étrangeté, un acte poétique en soi. Il est possible de composer avec tout mouvement quelle qu’en soit l’origine.

Light Bird de Luc Petton, 2015 – Photos Alain Julien

VL : Concevez-vous l’animal comme un danseur, un partenaire du danseur, voire un collaborateur, également, du chorégraphe ?


LP : Le partenariat que j’envisage et que je donne à voir opère dans les deux sens, humain-oiseau/oiseau-humain. Les deux sont acteurs à part entière dans l’acte de création et de représentation, sans qu’il y ait aucune primauté de l’un sur l’autre. Personne n’est le faire-valoir de l’autre.

Les différentes qualités de déplacement de chaque oiseau, vol, virevolte, sautillement…, se conjuguent sans hiérarchie avec celles de chacun des danseurs.

En somme chacun est auteur de sa partition qui, du fait de l’instantanéité, devient une partition ouverte. Mon office consiste à l’observer et à composer avec de manière inductive, par incitation plutôt que par direction. Quand les choses s’installent et deviennent répétitives j’apporte un élément perturbateur de façon à rester dans le vif.


VL : Perceviez-vous dans le comportement de certains animaux, avant même de concevoir ces chorégraphies, des prédispositions à la danse, envisagiez-vous certains d’entre eux comme des animaux-danseurs ? Et, de manière corollaire, qu’est-ce qui a présidé au choix de tel animal, de tel oiseau plutôt que tel autre ?


LP : La danse n’est pas le propre de l’humain. Tout ce qui se meut danse à sa façon. Ce n’est pas le regard posé sur le mouvement qui fait danse.

L’oiseau et le danseur sont pour moi dans un cousinage très proche. Tous deux parlent une langue qui dépasse les frontières et les idiomes. Mais une langue sans mot comprise dans tous les pays et par toutes les cultures. Tous deux sont des êtres de l’espace et des éléments. Ils sont aériens, aquatiques, terrestres et parfois même de feu. Tous deux sont des migrants, les oiseaux bien sûr mais les danseurs également, comme les artistes en général ; l’histoire de l’Art est celle de constantes migrations qui englobent les frontières géographiques et politiques. L’oiseau, comme le danseur, est fragile, magnifiquement fragile. Le moindre accident de vol, la moindre blessure générant l’impossibilité de se déplacer, entraîne sa mort en très peu de jours. La blessure chez le danseur met un terme à sa carrière.

Paradoxalement, alors que les oiseaux – descendants des dinosaures – sont très éloignés des mammifères humains, ils font partie de notre imaginaire intime. Ils peuplent nos songes et nos mythes les plus anciens.

Le choix des espèces – pies, cygnes, grues de Mandchourie, vautours – pour chaque création a été dicté par le thème développé spécifiquement pour chaque chorégraphie.

Et chaque individu étant unique, les rôles se sont dessinés selon la singularité de chacun.


VL : Que pouvez-vous dire de la réaction des danseurs vis-à-vis de ces animaux ? Certains ont-ils été « gagnés » par une sorte de maladresse ? L’animal a-t-il poussé ceux-ci à danser différemment, à réinventer leur art ?  À travers cette nouvelle grâce partagée percevez-vous une sorte d’égalité du vivant ?


LP : Le jeu avec l’oiseau vivant, en direct devant le public, permet de laisser s’exprimer les qualités d’écoute du danseur, mais aussi d’adaptation, de disponibilité ; c’est sans doute également le cas chez le spectateur. Les oiseaux ont un rôle central : ils révèlent, c’est eux d’ailleurs qui « auditionnent » les danseurs.

Je ne pense pas que tous les vivants soient sur un même pied d’égalité, mais au contraire toutes ces différences sont enthousiasmantes, elles font le sel de la vie. Chaque élément du vivant trouve sa place et sa cohérence dans le grand dessein du Vivant. Et chaque partie est communicante.


VL : Avez-vous un premier souvenir de cette façon de regarder l’animal comme un être dansant ?


LP : Tout enfant, en prenant le chemin des écoliers à travers champs, je restais des heures à regarder autour de moi, la nature et surtout les animaux. Je me souviens encore de l’émotion de mon premier printemps devant ce chatoiement d’odeurs, de couleurs et de chants d’oiseaux. C’est un peu cette émotion primitive que je cherche à retrouver et à recréer, à ressentir en décillant le regard et en suscitant le retour du merveilleux qui est en chacun de nous. Il est si proche que nous ne le voyons plus ; je pourrais parler ici de « l’exotisme du très proche ».


VL : Votre fascination très tôt pour les oiseaux et votre intérêt pour l’ornithologie vous ont-ils conduit vers la danse, ou y êtes-vous venu par d’autres voies ? Et, par ailleurs, vous ont-ils aidé – et vous aident-ils encore – à concevoir vos spectacles ?


LP : Je suis venu à la danse par les arts martiaux. Le dénominateur commun entre le karaté et le jeu avec les oiseaux est la notion sensible d’espace entre les corps conjuguée avec l’esprit de décision : savoir quand agir ou quand s’abstenir. Cet « espace entre », le Ma en japonais, est crucial pour accéder à la sensation qu’en ont les oiseaux, c’est un espace d’acceptation ou d’envol selon la situation, accueil ou fuite. L’« espace entre » est ce qui nous sépare ou ce qui nous unit selon l’acceptation ou non de toute personne pénétrant notre espace vital.

Les oiseaux ont métamorphosé mon regard sur ce qui fait spectacle. J’accorde dorénavant toute mon attention à la qualité d’« espace entre », aux temps de silence entre et à l’impromptu de la réaction. C’est ce que je privilégie désormais.


VL : Votre travail avec les oiseaux peut-il être mis en relation avec vos pratiques méditatives ? Et si tel est le cas, dans quelle mesure? 


LP : En effet. Je réalise que ma collaboration avec les oiseaux et ma pratique de Mindfulness ont en commun un même sens de la présence et le souci de la bienveillance. En relation avec un oiseau vous ne pouvez qu’être là, pleinement, sans but. Vous restez juste ouvert à ce qui est, sans projeter aucun désir ; à commencer par le désir que l’animal se comporte de telle ou telle manière, que la séance se passe comme ceci ou comme cela. Il est pour moi primordial de suspendre le jugement pour ne pas interférer avec le sensible et profiter pleinement de l’instant présent. Car, avec un oiseau, quoi qu’il se passe sur scène, c’est toujours le cadeau du présent. Dédouanée d’un but à atteindre, la relation peut s’épanouir.


VL : Les relations que vous avez tissées avec divers pays asiatiques ont-elles modifié votre façon de percevoir ces animaux et la part qu’il peuvent prendre au travail chorégraphique ?


LP : Hélas je dirais non, si vous parlez des pays asiatiques d’aujourd’hui où la relation à l’animal est plutôt désastreuse. 


VL : De manière très pratique, dans les images transmises, et toujours au sujet de la relation avec les oiseaux, quels rôles jouent la musique (et le musicien présent sur scène), le drapé et la tige de bambou ?


LP : Dans les pièces avec oiseaux la musique a le rôle de lien temporel mettant en relation les animaux, les danseurs et toute la technique en coulisse. Chacun à sa façon reconnaît le thème joué. Certains moments musicaux ont la fonction de repère d’entrée ou de sortie de scène. Il peut même arriver que les oiseaux répondent au thème avant les danseurs, créant des situations parfois comiques. La musique également rassure car elle crée l’univers sonore propre de chaque scène. Et les oiseaux le reconnaissent. La présence du musicien sur scène permet de rester en prise directe avec chacune des séquences musicales, qui peuvent être de durée variable en fonction de l’atmosphère de chaque soir.

Light Bird de Luc Petton, 2015 – Photos Alain Julien

Quant aux accessoires scénographiques, tissus, bambous notamment, ils sont comme des jouets qui focalisent l’attention des oiseaux. Ils agissent tels des objets médiateurs. Les oiseaux se les approprient. Cela a aussi un effet rassurant et sert de dérivatif en cas de stress.

Compositions de Xavier Rosselle pour Light Bird :


VL : Avez-vous des « modèles », des influences, aussi bien dans le domaine de la danse que dans d’autres comme l’ornithologie, l’éthologie, ou encore la philosophie, entre autres ?


LP : La lecture d’auteurs et de chercheurs éclaire rétrospectivement toute ma démarche, depuis Maître Eckhart et Rilke jusqu’à Vinciane Despret, qui est devenue une amie. Toutes les lectures spécialisées sur le comportement animal et l’ornithologie ont bien évidemment nourri mon regard et influencé cette démarche.

Je dois dire cependant qu’en face du vivant la seule option valable est l’écoute et la disponibilité, sans filtre, sans mots, « sans qualités » pourrais-je dire.

En prenant le risque de paraître précieux je dirais que mon idéal artistique tient en ces deux mots japonais, « Wabi-Sabi », un concept esthétique et philosophique qui associe deux principes, celui de simplicité et celui d’éternité de l’instant éphémère, dans un émerveillement devant la nature des choses, parfois même devant leur imperfection.


VL : Quel regard sur le vivant portez-vous aujourd’hui, en tant que préoccupation politique, par exemple ? Considérez-vous que vos spectacles soient des formes d’engagement ? Et vous voyez-vous comme un pionnier en ce domaine ?


LP : Les spectacles peuvent constituer une dénonciation de ce qui ne va pas socialement, politiquement, ou bien représenter une sublimation de ce que la vie pourrait être. Si les deux options sont possibles, je choisis la seconde, qui n’est pas la plus facile à réaliser.

L’artiste contrairement au scientifique ou au politique n’explique pas le mystère mais s’ouvre à lui. Ce faisant, il fait resurgir des questionnements sociétaux. Dans mon cas, j’envisage davantage mon travail comme étant plus du côté de la lumière que du côté sombre de l’humain.

Light Bird de Luc Petton, 2015 – Photos Alain Julien

Xavier Rosselle pour Light Bird :

En savoir plus :

La compagnie de Luc Petton : Le Guetteur

Création en cours :

 KOAN. Modules de création spontanée.

“KOAN est une recherche sur la mélodie des couleurs du mouvement. Cette expérience, proche de la « synesthésie », vise à faire chanter l’espace, à donner à voir les sons et à entendre les mouvements par le biais de capteurs à même le corps du danseur.

Les partitions spontanées qui en découlent restent évolutives en prenant la forme de vignettes chaque fois différentes, adaptées à chaque lieu.

Le terme « Koan » lui-même est un mot issu de la tradition Zen. Il a pour fonction de susciter l’éveil à une compréhension paradoxale du vivant. Il existe tout un répertoire de « Koan » qui invitent à la réflexion (« Tu connais le bruit de deux mains, quel est le bruit d’une seule main ? »)

Le paradoxe à l’œuvre dans KOAN est celui qui existe entre le son, la vision et la perception.

Autant pour le danseur que pour le spectateur KOAN déroule sa partition dans un état de surprise sensorielle. Il poétise l’instant.”

(Luc Petton)

À entendre :

France Culture, “La vignette” d’Aude Lavigne : Luc Petton

À voir :

Swan : création pour danseuses et cygnes, 2012

Light Bird, 2016

vincentlecomte

Vincent Lecomte est artiste, chercheur et enseignant en esthétique. Sa thèse, « Un Penser animal à l’œuvre », étudie les façons dont l’art convoque l’animal pour mettre en évidence d’autres consciences possibles du monde.

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