Tom Tirabosco et Vincent Lecomte | Créer l’histoire d’une écologie heureuse | Carnet Animots | oct. 2023

Entretien de Vincent Lecomte avec Tom Tirabosco

Tom Tirabosco, italien d’origine, suisse d’adoption, est un artiste mondain. Mais certainement pas au sens où il se revendiquerait de quelque société privilégiée, tout au contraire. Tom Tirabosco est d’abord un être au monde. Depuis près de trente ans, sa pratique artistique, et notamment le dessin au pastel, à l’encre et à la mine de plomb, exprime, à travers la bande dessinée, l’illustration, l’animation et autres déclinaisons, le souci de (re)placer les corps dans un environnement prenant tantôt la forme d’une nature luxuriante, tantôt celle de ténébreux espaces rapprochés. S’accompagnant d’un bestiaire varié et hybride, il œuvre beaucoup pour les enfants, mais également pour un plus large public, n’ayant de cesse de sensibiliser à une conscience écologique autant qu’à une justice sociale.

« Effaré par ce modèle capitaliste[1] », déposant sur son passage les empreintes de son engagement, l’animal Tirabosco use de la narration pour mettre en scène et dénoncer la prédation humaine sur le reste du vivant. Pour autant, en éveil et engagé, il ne sombre jamais dans un écolo-pessimisme stérile, préférant se mettre à l’écoute des initiatives joyeuses et responsables. Depuis quelques temps, il participe à des concerts dessinés, lors desquels il se laisse inspirer par le paysage sonore créé par son frère Michel.

Son travail contribue à la réinvention d’imaginaires collectifs, sans doute parmi les meilleures portes de sortie d’un modèle de société dont les méfaits ne sont plus à démontrer.

Autoportrait loup, 2021 © Tom Tirabosco

Vincent Lecomte : Je commencerai cet entretien en faisant référence à un autoportrait dans lequel vous vous représentez nu avec une tête de loup. Ce personnage y apparaît nimbé d’une végétation luxuriante et des insectes se sont posés sur lui. Que voulez-vous exprimer à travers cette auto-figuration ? Que dit ce dessin de vous ?

Tom Tirabosco : C’est un autoportrait chimérique. J’aime l’idée de me représenter en être hybride, moitié-homme, moitié-animal. Ici la tête de loup permet de s’imaginer animal et de parler d’altérité.

J’ai toujours été attiré par les monstres ou les créatures hybrides et j’imagine que ce dessin révèle ma fascination pour ce qui est sauvage et monstrueux.

VL : Les bras quelque peu velus de cet être chimérique enserrent son corps. A-t-il froid ? A-t-il honte de sa nudité ?

TT : Le personnage est prostré et sa posture est à la fois pudique et impudique… Sa position exprime une forme de fragilité et de vulnérabilité qui contraste avec l’intensité et la présence du regard du loup. Je cherche souvent dans mes dessins cette tension entre des extrêmes, des pôles opposés.

VL : « Pudique et impudique », mais aussi fragile, vulnérable, est-ce ainsi que vous vous percevez ? Et, si c’est le cas, passer par une figure animale vous permet-il de mieux vous dire ?

TT : Probablement, mais mes « désirs d’images » sont l’expression de mouvements intérieurs pas toujours très clairs. Et c’est ce qui m’intéresse dans la pratique du dessin : elle est une porte ouverte sur l’inconnu, l’inconscient. C’est « l’espace du rêve » dans lequel notre imagination peut s’exprimer dans sa diversité et sa complexité.

VL : Par ailleurs, qu’incarne pour vous ce loup dont vous empruntez la gueule ? S’agit-il d’un personnage symbolique, fabuleux – le loup arrive en premier dans le bestiaire de La Fontaine –, ou est-il d’un autre ordre ? Avez-vous songé à la figure du loup-garou ? Quels sont les stigmates que l’on peut observer sur ses jambes ? Ont-ils été causés par la végétation de son milieu ou quelque combat, et avec qui ?

TT : La figure du loup exprime le sauvage évidemment, l’indompté, l’obscur et une forme de liberté et de puissance. Ce n’est pas un loup-garou qui est représenté ici, mais un homme-loup, c’est un peu différent. Adolescent j’ai été fortement marqué par le film de Neil Jordan The Compagny of Wolves[2] qui est une sorte de conte de fée horrifique détournant la morale du « Petit chaperon rouge ». Les hommes-loups montrés dans le film incarnent une sexualité sauvage à laquelle la jeune fille de l’histoire succombe. Étrangement, ce film revient souvent dans mes références cinématographiques, moins pour ses qualités intrinsèques que pour l’imaginaire qu’il ouvre. Le livre de l’écrivaine anglaise Angela Carter qui a servi de scénario au film est également un recueil de nouvelles fantastiques magnifiques. Plus globalement, j’ai toujours été attiré par les films et la littérature de genre.

VL : Pourriez-vous préciser ce qui dans le livre et dans le film vous a touché ?

TT : Je crois que c’est le mélange de fantastique, d’érotisme et de poésie qui se dégage de ce récit. Le détournement des archétypes du conte et leurs interprétations psychologiques font échos aux écrits de Bruno Bettelheim.  

VL : Diriez-vous que votre œuvre a un caractère symbolique ou métaphorique important ? Si oui que pourriez-vous en dire ?

TT : Mon travail est avant tout iconoclaste, mais on peut y discerner quelques pistes : la nature, le rapport au monde sauvage, la figure du monstre, le mystère et l’enfance. Dans ce sens, oui mon travail est très symbolique, fantastique, et parle aussi de l’intime et du refoulé. Mais plus que le fantastique pur, j’aime l’étrangeté et l’effroi qui sont deux composantes de la figure du « sublime » en art. L’historienne d’art Annie le Brun a bien théorisé cette figure de style. D’autant que, derrière le sublime en art se cache l’idée d’une catastrophe qui serait à l’œuvre dans la peinture ou le dessin. Cet « indicible catastrophique » s’exprime dans des images troublantes qui brouillent les frontières entre le beau et le laid, entre l’offert et le dissimulé, et échappent de facto à une forme de raison.

VL : Vous abordez la question de l’effroi. Avez-vous des peurs liées à certains animaux ? Et, si oui, est-ce là pour vous une source d’inspiration ?

TT : J’éprouve bien une certaine appréhension face aux araignées et aux requins, mais rien de phobique. J’ai davantage peur de mes semblables humains que de tout autre animal. Je ramasse les couleuvres par la queue ou je manipule les gros coléoptères xylophages sans pousser de grands cris horrifiés.

Atelier de l’artiste à Genève

VL : Dans quelles conditions dessinez-vous ? Que vous apporte cette pratique ? Qu’est-ce qui vous intéresse, vous attire en elle ? 

TT :

Je travaille la technique du monotype[3]. Je développe cette technique depuis plus de 25 ans et c’est devenu une sorte de signature. Tous mes livres (BD et livres jeunesse) sont réalisés avec ce procédé. Je suis le seul, je crois, à l’utiliser ainsi d’album en album. C’est parfois un peu contraignant car il y a plein de détails qui deviennent trop compliqués à représenter avec le monotype. En fait ce que j’aime avec cette technique, c’est qu’elle me permet, paradoxalement, de simplifier mon dessin, de ne pas trop entrer dans les détails d’un dessin réaliste. Comme, en plus, le dessin a toujours été pour moi une manière de transformer le réel et de le rendre plus poétique, cette technique fait doublement sens pour moi : elle permet le surgissement de l’étrange et du fantastique par le rendu charbonneux et accidenté de son trait.

J’aurais plus de peine de dessiner des immeubles en verre ou les buildings de New-York avec cette technique… Je suis définitivement un dessinateur de la nature et surtout des forêts et des arbres.

VL : En effet, vous représentez souvent un environnement végétal, surtout forestier. Des endroits précis ont-ils constitué des sources d’inspiration pour vous ? (Un paysage que vous fréquentez ou avez fréquenté ?)

TT : Non, ma représentation de la nature est plus « romantisée » que directement liée à une réalité topographique précise.

VL : Vous aimez utiliser de noirs profonds tant dans les corps que vous présentez que dans les espaces où ils sont placés. Comment expliquer cet usage ?

TT : Il s’agit plus précisément d’un dessin réalisé sur de l’encre étalée à l’aide d’un rouleau sur un support plat et lisse (plaque en verre ou néoprène) : la feuille immaculée est posée directement sur l’encre, puis « enregistre » tous les signes graphiques provoqués par la pression du crayon ou celle de la main. Il en résulte un transfert du dessin au dos de la feuille, restituant également toutes les « impuretés » et les « accidents » créés par ce procédé. Ce dessin en empreinte, avec ses zones d’ombre parsemées de taches involontaires d’encre, est ensuite rehausse avec du pastel blanc. Ce rehaut permet de remodeler un trait ou d’apporter des ouvertures lumineuses dans la masse noire du transfert.

Ours, 2022 © Tom Tirabosco

VL : Entendu, mais que suggère ou qu’incarne ce noir ? De quoi est-il la couleur ? À quelle humeur, intention se rattache-t-il ?

TT : Peut-être une humeur nostalgique… J’ai beaucoup de peine avec les images numérisées actuelles, trop lisses et éclatantes. Le noir et le sfumato qu’il génère me rappellent la peinture vénitienne du Tintoret, le symbolisme noir d’un Léon Spilliaert, ou encore les encres des dessins de Victor Hugo.

VL : Vos dessins sont habités par nombre d’animaux. Sauriez-vous les classer dans une forme de taxinomie affective ?

TT : Je suis un amoureux des animaux depuis que je suis tout petit. J’ai toujours écrit et dessiné des histoires pour dessiner des animaux ! Mon prochain album de bande dessinée s’appellera Terra Animalia et c’est la première fois que je fais une histoire où les personnages principaux sont des animaux (des lycaons). J’aime principalement les animaux sauvages, avec un faible pour les grosses bêtes…  les baleines sont mes animaux préférés depuis que je suis mouflet. J’ai même créé un spectacle Toujours nous chérirons votre mémoire qui a été joué ici à Genève et qui a eu un grand succès. Ce spectacle construit autour d’un texte de Heatcote Williams, Whale Nation[4], est un spectacle avec texte, musique électronique et dessin réalisé en direct. Pendant une heure je dessine en direct des baleines, leurs vies, leurs jeux, le massacre dont elles sont victimes… J’espère pouvoir le montrer à nouveau, car durant ce spectacle je dessine de diverses manières et il s’agit d’un véritable « lâcher-prise » par rapport à mon travail graphique d’illustrateur ou d’auteur de BD.

https://player.vimeo.com/video/825385303?h=a2a0d734f9
Tom Tirabosco et Leandro Basso, La baleine, 11 minutes, 2022
Dessin animé 2D et papier découpé, Nadasdy Film

VL : Dans vos œuvres l’humain n’est jamais loin. Tantôt il côtoie d’autres animaux, tantôt il se mêle avec certains d’entre eux pour offrir une galerie de chimères saisissantes. Parfois même l’animal et le végétal s’associent, formant le produit d’une mystérieuse génétique. Que percevez-vous dans ces confrontations et ces confusions ?

TT : Je perçois le besoin de représenter l’Autre, le monstre, celui qui nous dérange, nous fascine car différent. Ce besoin prend sa source dans l’enfance. J’ai grandi à la campagne (campagne genevoise) dans un petit village où le vivant et les animaux étaient une réalité que je côtoyais quotidiennement. Que ce soient les orvets, les grillons et les mulots dans le jardin, ou les couleuvres, tritons et grenouilles que nous attrapions au bord de l’étang. Je me suis beaucoup “ennuyé” dans la nature et je pense que cela a été une grande chance.

Treeman, 2017 © Tom Tirabosco

VL : Et que représente pour vous la figure de la chimère ?

Les visages des personnages que vous créez subissent souvent d’étranges déformations ou métamorphoses. Comment analysez-vous cette figure récurrente ?

TT : Les déformations sont parfois aussi des tics de dessin dont j’essaie de me défaire… En vieillissant je vais vers plus de réalisme. J’aime représenter la nature et les animaux de manière encyclopédique. J’aime la diversité et la richesse des formes rencontrées dans la nature, donc si je dessine un oiseau, j’aime que l’on puisse identifier s’il s’agit d’un Chardonneret élégant ou d’une Sitelle torchepot.

VL : Votre œuvre donne à voir de nombreux portraits, notamment animaux ou hybrides. Vous inscrivez-vous dans une tradition esthétique particulière ? Sans vouloir faire d’étude comparative rigoureuse et exhaustive, je songe, entre autres, à Francisco de Goya, Jean-Jacques Grandville, John Heartfield aussi bien qu’à Tomi Ungerer ou Juanjo Guarnido…

TT : Oui, la peinture est mon autre passion après la nature… c’est un peu cliché mais les grands peintres me nourrissent et m’influencent beaucoup. Dans mon panthéon des peintres que j’ai beaucoup regardés, il y a en vrac : Le Titien, Böcklin, Van Eyck, toute la peinture vénitienne, de Carpaccio à Lorenzo Lotto en passant par les kitcheries de Tiepolo, le 19ème et les symbolistes belges : Khnopff, Rops, Spilliaert, etc. En bande dessinée, mes maîtres sont Lorenzo Mattotti, Manuele Fior, Dominique Goblet et, oui, Tomi Ungerer pour sa liberté…  J’ai une passion également pour l’auteur de livres jeunesse Wolf Erlbruch qui vient de nous quitter. Disons que j’aime en général le « beau dessin », c’est affreux de devoir l’avouer et c’est pas très « contemporain » mais c’est comme ça, je suis très attaché au style et à une forme d’esthétisme. En art contemporain, j’aime des choses très diverses mais j’ai besoin de sublime, de transcendance, donc je vais vers des artistes qui travaillent ces expressions : les expressionnistes abstraits américains, et aussi des artistes comme Kapoor, Penone, Rothko, Soulages, Ryman ou ma professeure aux Beaux-arts de Genève, Carmen Perrin. Au Centre Pompidou de Paris, je viens de voir l’expo de Christian Marclay que j’ai adoré, dans un autre genre. J’aime aussi des artistes comme Marlène Dumas ou Françoise Pétrovitch.

Inédit, 2014 © Tom Tirabosco

VL : Dans votre œuvre on rencontre couramment différentes formes d’inversion. Ainsi dans un dessin pour la revue Tonnerre de bulles vous montrez un chasseur pointant son arme sur un enfant posant des bois de cerf sur sa tête. L’inversion est-elle une figure, un procédé qui vous inspire ? L’inversion et la substitution ont-elles des vertus esthétiques ou symboliques singulières ?

TT : Non, mon intention n’est pas de faire réfléchir, mais j’aime un peu provoquer et mettre (délicatement) mal à l’aise le lecteur et le spectateur ou le déranger avec une image étrange… J’aime les images baroques et souvent excessives. J’aime les figures paradoxales et l’inversion des rôles y participe. Mais je ne réfléchis pas trop quand je fais une illustration, je me laisse guider par une émotion, un ressenti, une névrose…

VL : Et dans ce dessin, qui pourrait être vu comme une relecture du mythe d’Actéon ou de la légende de Saint Hubert, voulez-vous faire réfléchir à certains travers humains ?

TT : Peut-être. Je ne sais pas. J’ai surtout envie de questionner notre rapport au vivant sauvage et à notre perte de lien avec celui-ci. J’aime la formule de mon ami Kim Pasche, écrivain et spécialiste des peuples premiers et de la vie en milieu sauvage : « Je ne cherche pas la désobéissance civile, je cherche l’obéissance sauvage ». C’est un peu ça : où se cache aujourd’hui dans notre monde hyper-connecté et digitalisé les restes de nos très lointains ancêtres chasseurs-cueilleurs ?

Dessin pour Tonnerre de bulles n°17, 2018 © Tom Tirabosco

VL : Le thème de la chasse semble également important dans votre œuvre. Êtes-vous de près ou de loin familier avec le milieu des chasseurs ? Voyez-vous là l’occasion d’une interrogation sur notre rapport au reste du vivant ?

TT : Je ne suis pas totalement anti-chasse. Cette question de la chasse est complexe. On s’offusque de la chasse mais on accepte les conditions dégueulasses dans lesquelles on élève les animaux que nous mangeons. Je suis un écolo de la première heure et la seule idée de la prédation sur le vivant me met en colère. Je lis beaucoup Baptiste Morizot ou Nastassja Martin en ce moment. Les questions de notre « rapport diplomatique » avec les autres-que-humains ainsi que l’urgence de ne plus placer la nature à l’extérieur de nous (Descola) m’intéresse énormément. Je pense que ces problématiques contaminent un peu mon travail d’artiste.

VL : Vos personnages sont fréquemment poilus et les univers dans lesquels ils évoluent sont souvent forestiers. Est-ce là l’expression d’une mythologie personnelle ou bien encore d’imaginaires que vous vous seriez appropriés ? Faut-il y voir la reprise ou la critique de l’image du « bon sauvage » ?

TT : Il ne s’agit pas d’une critique du « bon sauvage », au contraire, plutôt d’une fascination pour le sauvage, en réaction à une époque qui voit notamment dans le transhumanisme et les technosciences la solution à nos problèmes.

VL : Dans votre œuvre, diriez-vous que vous cherchez à montrer une forme de réconciliation, indiquer d’autres voies, d’autres sortes d’échange avec les non-humains ?

TT : Oui d’une certaine manière. Mes livres peuvent sembler des manifestes allant dans ce sens, je pense plus particulièrement à Femme sauvage (Futuropolis). Mais c’est aussi avant tout le plaisir simple de dessiner des animaux. J’aime les formes incroyablement variées que l’on trouve dans le règne animal. Dessiner une voiture ne me fait pas bander (rires).

Femme sauvage, Futuropolis, 2019

VL : J’ai initié l’entretien avec une référence à un autoportrait. À présent j’aimerais que nous abordions l’autobiographie. En effet, la bande dessinée Wonderland que vous avez fait paraître chez Atrabile en 2015, retrace votre parcours, de votre naissance à votre entrée au collège, et met en scène certains de vos proches. Quelle place ont les animaux dans cette auto-narration ? Avez-vous établi des relations privilégiées avec certains d’entre eux ? Si c’est le cas, ont-ils influencé votre vision du monde et – qui sait – votre pratique ?

TT : Dans Wonderland, je parle de mon amour pour les animaux et comment ceux-ci sont constitutifs de mon désir de faire du dessin, comment la richesse du règne animal va de pair avec la joie de dessiner. Dessiner me procure le même sentiment d’excitation sensorielle que quand je me promène dans la nature. Dessin et nature vont ensemble pour moi et c’est ce que je tente de raconter dans cet album. M’a également inspiré la lecture de certains livres d’animaux, illustrés par d’immenses illustrateurs, inconnus du grand public mais qui me faisaient rêver enfant, avec leurs représentations romantiques et excessives de la nature. Je pense plus particulièrement à l’œuvre de Zdenek Burian, peintre tchèque né en 1905 qui se spécialisa dans les représentations de la préhistoire. Il peignait de puissantes mises en scène reproduites dans des livres pédagogiques sur les animaux et qui ont marqué mon enfance. Je pouvais passer des heures à regarder ces reproductions. Un grand nombre de paléontologues reconnaissent, encore aujourd’hui, avoir trouvé leur vocation après avoir rêvé, enfants, devant les images peintes de Burian. Ça doit être pareil pour moi; c’est Burian et Disney qui m’ont donné envie enfant de beaucoup dessiner.

Wonderland, Genève, Atrabile, 2015

VL : Votre histoire familiale est-elle aussi une source d’inspiration ? Offre-t-elle un motif de choix ? L’occasion d’une réflexion plastique sur des relations particulières ?

TT : Pas plus que ça. Wonderland, je pense, sera mon seul album autobiographique.

VL : Votre frère est un musicien renommé. Vous avez récemment participé à un concert lors duquel vous avez réalisé des dessins, projetés sur grand écran. Comment avez-vous vécu cette expérience ? La musique accompagne-t-elle voire influence-t-elle votre démarche créatrice ?

TT : Je fais de plus en plus de concerts dessinés avec lui, ainsi qu’avec des orchestres classiques et c’est pour moi un plaisir de redécouvrir ainsi le dessin, voire de le réinventer. Comme expliqué précédemment, il s’agit d’un exercice de « lâcher-prise », une forme de « chorégraphie » où je « danse » en utilisant le vocabulaire et le langage du dessin. Cela me fait beaucoup de bien car il y a une partie d’improvisation. Il ne s’agit pas de faire un « beau dessin » mais de faire un dessin vivant et “dansant” qui se crée et est en dialogue permanent avec la musique. C’est un exercice qui donne beaucoup d’émotion au spectateur et je suis chaque fois ahuri de la force émotionnelle que peut transmettre un dessin qui se construit en direct, le pouvoir d’attraction que celui-ci exerce sur le public. C’est fascinant de constater comment on peut jouer avec l’attention du spectateur et créer une forme de dramaturgie quand on dessine en direct.

“Dessine-moi un concert” avec Michel Tirabosco et son orchestre et Tom Tirabosco, le 1er octobre 2019 au Centre des arts de Genève

VL : Des dessins associent l’univers de l’enfance à ceux d’animaux. Je songe notamment à Homme-loup (2018) où l’on peut voir un personnage lycanthrope présenter une fillette juchée sur un guéridon. Que vous inspire ce type d’association ? Pour vous l’enfant a-t-il un rapport particulier avec les animaux ? Que vous permet d’exprimer ce rapprochement ?

TT : Enfance, nature, animaux, ces thèmes dialoguent en permanence dans mon travail.

Le dessin que vous évoquez est assez ambigu ; s’y opposent des émotions diverses et parfois obscures. En mettant en scène cet homme-loup adulte et cette petite fille qui lui tient le doigt (mais cela pourrait être un autre appendice…) ce dessin se joue des codes de l’illustration jeunesse, et nous emmène ailleurs… Il est très doux et pas du tout explicite, pourtant il y a un truc (volontairement) dérangeant. En mettant en scène cet homme-loup et cette fillette sur son guéridon je fais évidemment référence au Petit Chaperon rouge (encore), au patriarcat, à la domination, et à d’autres choses plus troubles. C’est une image-tiroir, légèrement étrange et dérangeante. Par ailleurs, les enfants, très souvent représentés dans mes albums, sont souvent des enfants-sorciers, extra-lucides, qui perçoivent ce que les adultes ne perçoivent pas ou plus. Ce sont eux qui nous dévoilent les choses, les révèlent (c’est un thème que j’ai également abordé dans l’album L’œil de la forêt, 2003).

Homme-loup, 2018 © Tom Tirabosco

VL : Vos dessins mettent en scène des personnages aux postures lascives, des êtres s’étreignant. Voulez-vous leur donner un caractère érotique, et pour certains presque zoophile ? Si c’est le cas dans quel but ? Afin de dire quoi ?

TT : Le dessin pour moi est une expression érotique de l’activité humaine. Il a un pouvoir érotisant fort. L’œil est le premier sens de l’érotisme (Bataille) et, oui, j’aime que mes dessins dégagent ou évoquent une forme de sensualité… grâce à la technique utilisée, qui n’est pas de la tablette numérique mais constitue un combat entre le papier, l’encre et mon corps tout entier.

Quant aux deux loups-garous qui s’étreignent, je ne sais pas si c’est de la zoophilie… mais pourquoi pas… soyons dysphorique jusqu’au bout ! Il n’y a pas d’anxiété ou de douleurs dans mes dessins, juste du plaisir et du jeu. Le dessin n’est pas pour moi un lieu de souffrances ou de peurs. C’est plus le territoire de la sensualité et de la liberté.

Lycaon, 2022 © Tom Tirabosco

VL : Avez-vous découvert de nouveaux médiums tout au long de votre carrière ? Désirez-vous en pratiquer d’autres ?

TT : J’aime la transversalité et je vais certainement travailler le monotype en plus grand format, dans une pratique de « dessin contemporain ». La bande dessinée me fatigue parfois et je ne m’y retrouve pas à 100%. Et de toute façon, je suis un touche-à-tout qui a toujours eu le sentiment d’être un outsider dans le milieu français de la bande dessinée.

VL : Qu’entendez-vous par « dessin contemporain » ? Percevez-vous un style, un mouvement, ou simplement un « patte » contemporaine ?

TT : Quand je parle de “dessin contemporain” je veux dire un dessin qui ne s’inscrit pas dans le champ de l’illustration et de la bande dessinée mais dans celui de l’art contemporain.

VL : Quels sont vos projets artistiques ? Voulez-vous poursuivre dans une voie déjà engagée ou vous orientez-vous vers de nouvelles ? Et les animaux tiennent-ils toujours une place importante dans cet horizon ?

TT : Je ne sais faire que dessiner… donc je vais finir mon album Terra Animalia, et après j’ai un autre projet avec Kim Pasche, le « philosophe-homme des bois » dont je parlais plus haut et qui vit la moitié du temps dans sa cabane dans le Yukon. J’ai également gagné un prix important en Suisse, le prix FEMS de la fondation Sandoz et qui va me permettre de réaliser un livre illustré (pas une BD) dont j’ai déjà écrit le texte. L’engoulevent est le titre de ce récit et du futur livre à réaliser. Il s’agit d’une histoire de fantôme qui se passe dans le Jura suisse. Avec ce projet, c’est la première fois que je me lance dans l’écriture d’un texte littéraire (une nouvelle fantastique). C’est un vrai défi que je me réjouis de relever, avec une approche différente également dans mon dessin. Je vais mélanger plusieurs techniques : aquarelle, monotype, crayon, gouache, et “sortir de ma zone de confort”, comme on dit. Tout un programme !


[1] Propos de l’artiste recueilli par Alexandra Chaignon, L’Humanité, jeudi 8 août 2019, p. 18.

[2] Neil Jordan, The Compagny of Wolves, Grande-Bretagne, 95 minutes, 1984.

[3] Le monotype est un technique consistant à appliquer de la peinture ou de l’encre sur une plaque en métal (cuivre ou zinc). On dépose ensuite le support (papier le plus souvent) sur celle-ci qui sera imprimé par le passage sous une presse à taille-douce. Cette opération permet d’obtenir une épreuve unique. 

[4] Williams Heathcote, Whale Nation, Londres, Jonathan Cape, 1988.

En savoir plus

Site de l’artiste
Le Grand soir, RTS, 17 février 2021
Tom Tirabosco par Derek Li Wan Po pour le Cartoonmuseum, Bâle

À venir

Participation à l’exposition collective “L’arbre dessiné”, Couvent Sainte-Cécile, Grenoble, du 21 octobre 2023 au 13 janvier 2024

Sortie prévue : Terra Animalia, Genève, La Joie de lire, 2024



Citer ce billet
vincentlecomte (2023, 5 octobre). Tom Tirabosco et Vincent Lecomte | Créer l’histoire d’une écologie heureuse | Carnet Animots | oct. 2023. Animots. Consulté le 19 mai 2024, à l’adresse https://doi.org/10.58079/b76j

vincentlecomte

Vincent Lecomte est artiste, chercheur et enseignant en esthétique. Sa thèse, « Un Penser animal à l’œuvre », étudie les façons dont l’art convoque l’animal pour mettre en évidence d’autres consciences possibles du monde.

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