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Françoise Pétrovitch et Vincent Lecomte | Derrière les paupières, au-delà du sentiment… | Carnet Animots | mai 2025

Françoise Pétrovitch, depuis les années 1990, à travers la peinture, le lavis, l’estampe, la céramique, ou encore la vidéo, mais surtout le dessin, révèle un monde énigmatique, voire transgressif. L’intime est au centre de ce travail et notamment celui qui autorise le rapprochement incongru des corps. Dans cette intimité l’enfance ou l’adolescence se confrontent à des corps animaux, vifs ou morts. Ainsi, on trouve de manière récurrente l’association traditionnelle de l’enfant et de l’oiseau mort – on peut penser à Greuze. On peut y lire les humeurs parfois sombres liées à des âges transitoires, à la perte de l’innocence.

Chez elle, la culture du portrait, mais aussi du conte ou du mythe, est souvent à mettre en relation avec un vécu, un souvenir d’âges perdus, et pourtant toujours présent, par l’empreinte morale qu’il a laissée.

Par ailleurs, si son travail garde quelque chose de l’iconographie animalière, l’animal semble s’être affranchi du symbole pour prêter à l’œuvre sa conscience. Vient-il rappeler à l’enfant que son destin est de s’éloigner de lui ? Qu’il aura toujours sa vie faite de désirs, de sentiments, voire de ces « caprices » qu’il partageait avec lui ?

Françoise Pétrovitch, Sans titre, 2019,
Galerie Semiose, ©A. Mole

Vincent Lecomte : Votre œuvre met en scène nombre d’enfants et d’animaux, des animaux particuliers.  Avez-vous dans l’enfance établi une relation singulière avec certains animaux ? Si oui, que pouvez-vous nous en dire ?

Françoise Pétrovitch : Je suis née à Chambéry. J’ai passé mon enfance à la campagne, entourée d’animaux.

VL : Dans la lithographie Fille aux cheveux-gouttes (2012) les longs cheveux d’une jeune fille énuclée semblent se terminer en grosse goutte de sang. Dans celle intitulée Garçon au squelette (2016), en noir et blanc, un enfant porte un costume ou pyjama sur lequel on peut voir un squelette. Votre œuvre révèle une étrange existentialité, les thèmes de l’enfance et de la mort s’y rencontrent souvent. Savez-vous d’où viennent ces visions et ce rapprochement ?

FP : Mon œuvre est traversée par la figure de l’adolescence, l’entre-deux, l’idée du changement et de la métamorphose propre à l’adolescence. C’est une période de la vie marquée par les paradoxes. Tout est possible et tout est en devenir. L’adolescence fascine, interroge, accuse, et devient ce que l’on fait d’elle : un moment trouble et essentiel qui façonne ce que nous sommes. La dualité est aussi continuellement présente dans mon travail.

Françoise Pétrovitch, La fille aux cheveux goutte, 2012, Galerie Signe d’encre
Françoise Pétrovitch, Garçon au squelette, 2016, Galerie Semiose

VL : « Mais le génie n’est que l’enfance retrouvée à volonté » écrit Baudelaire… Vous donnez à voir une enfance dénuée de toute forme de mièvrerie, presque dure et sauvage, et tout à la fois énigmatique, fermée, mais aussi évidente, dévoilée. Dans le tableau Trophée (2018) une main qu’on dirait celle d’un enfant tient un oiseau dont l’œil laisse imaginer qu’il est peut-être encore en vie. La sculpture Ogresse (2021) montre une fillette avec un long os rongé en bouche. Vos personnages enfantins portent des habits (ou ont les mains) maculés de sang ; parfois leur visage est sanguinolent. Dans votre œuvre une forme de violence liée à l’enfance semble omniprésente. S’agit-il de références à des souvenirs ? Désirez-vous retrouver une époque enfouie lors de laquelle une sorte de violence s’exprimait librement ? Pourtant celle-ci paraît plus implicite qu’explicite : peu de visages expressifs, peu de corps en mouvement…

FP : Mon œuvre n’est pas nourrie de références en lien avec des souvenirs personnels. Mais nous sommes tous construits de nos souvenirs intimes et collectifs. Les figures que je représente sont souvent des corps vulnérables. De tout jeunes gens, des enfants, des adolescents, parfois des animaux. Ces figures sont souvent fragiles, mais il ne s’agit jamais de figures de pouvoir. Pourtant, elles sont capables de résister, ce sont des figures de résistance. Les représenter, d’une certaine manière, c’est leur donner la parole.

J’ai dessiné des petites filles qui fermaient les poings, avec des poings rouges. Pour moi c’est comme une colère intériorisée. Il y a quelque chose de presque organique émanant du sujet.

Françoise Pétrovitch, Ogresse, 2021, Galerie Semiose

VL : Parmi vos techniques de prédilection, le lavis semble exprimer la fluidité et la fusion des formes dans un tout continu. Avez-vous cette même impression ? Que vous permettent, vous inspirent cette technique ?

FP : J’aime l’encre pour sa fluidité, la capillarité de l’encre et de l’eau. L’eau se diffuse, se répand, je ne sais jamais ce qui va advenir. C’est un équilibre entre la représentation précise des figures et le jeu de diffusion, de dilution, souvent aléatoire, de l’encre. Le mouvement de l’eau m’échappe. Les cadrages sont souvent très resserrés et instaurent ainsi un rapport d’intimité.

VL : Souvent votre geste pictural paraît comme arrêté. Le support, toile ou papier, est fréquemment laissé vierge, des traits paraissent seulement esquissés, la couleur appliquée avec parcimonie… Voulez-vous ainsi donner une place à l’inabouti, l’interrompu ?  Est-ce là une forme de retenue qui trouverait sa figuration ? S’agit-il de ne pas clore pour susciter l’imagination, d’offrir au regard l’espace ouvert de la suggestion ?

FP : Je travaille avec la réserve du papier, le blanc du papier, que je laisse intact, et auquel j’oppose les contours nets, coupants, de l’encre.

Je pense au dessin du Garçon au squelette. Je dessine par l’extérieur. Ce qui est au plus profond de notre corps c’est le squelette. Or là, le squelette est en réserve, formé par le blanc du papier laissé intact. En fin de compte, le blanc, la lumière, est donné par ce qui est le plus caché.

Le blanc que je réserve dans les dessins ou les peintures est assez important, il figure souvent le corps. Tout le travail d’encre est réalisé autour et l’éclat dessiné par ce contour me permet de faire surgir la lumière.

Françoise Pétrovitch, Sans-titre, 2004-2005,
MAC/VAL, © Jacques Faujour

VL : La sculpture, qu’il s’agisse de céramique, de faïence ou de grès émaillés, de porcelaine, de verre soufflé, de bronze, vous permet-elle d’envisager les corps que vous créez d’une manière encore plus tactile ? Comment concevez-vous vos volumes et que ressentez-vous lors de cette forme de création ? Quelle différence faites-vous dans l’une et l’autre de ces pratiques en volume ?

FP : Parmi les nombreuses techniques auxquelles j’ai recours (céramique, verre, lavis, peinture, édition…) le dessin tient une place particulière. Elle est révélatrice d’une économie plastique marquée par la justesse, par le refus du commentaire.

J’ai longtemps cru que j’étais uniquement du côté du dessin puis j’ai travaillé avec l’argile, et j’ai compris alors qu’à travers cette pratique s’exprimait la même énergie, souvent les mêmes intentions.

Actuellement, la sculpture prend de plus en plus de place, j’apprécie justement les prolongements, les échos entre les médiums. La céramique émaillée a parfois un aspect proche du lavis, de l’encre. On y voit le recouvrement, la translucidité, la brillance qui me sont familiers.

Les idées peuvent émerger d’abord sous forme graphique, avant de devenir sculptures, et inversement. Au bout d’un certain temps, je ne pense plus aux médiums, je passe de l’un à l’autre : tout est lié, superposé, c’est fluide. Je trouve nécessaire de pouvoir m’autoriser ces allées et venues incessantes. Les différents matériaux entrent en dialogue : les volumes répondent aux dessins qui se prolongent dans l’animation et le son… et vice-versa.

Ce qui diffère de la manière la plus flagrante dans la pratique de la sculpture c’est qu’elle me permet de travailler dans d’autres ateliers, avec des artisans dédiés pour les plus grandes pièces. J’aime ce vocabulaire en partage avec les artisans.

Françoise Pétrovitch, Tenir, 2019, Galerie Semiose

VL : Plus généralement, dans votre processus de création, prenez-vous des notes graphiques – ou autres – au quotidien ? Et quelles sont vos sources d’inspiration ? Le portrait est une forme qui vous est chère. Faites-vous appel à des modèles, vous inspirez-vous de photographies ? Est-ce pour vous l’occasion de faire l’étude de personnalités, de laisser venir des images qui vous habitent, de composer des scènes métaphoriques ?

FP : L’animal est tout simplement pour les plasticiens un formidable réservoir de formes, de vocabulaire de représentation. Il y a une force symbolique, une force d’imagination et c’est une tradition très présente dans la peinture. 

VL : Vos personnages portent fréquemment des masques, ou des gants. Parfois les visages sont dissimulés derrière des cheveux ou des mains. Il n’est qu’à penser au catalogue de l’exposition de la Bibliothèque nationale de France qui a présenté une part de votre œuvre graphique et imprimée, Derrière les paupières (2022). Que voulez-vous cacher ou faire disparaître ? Que se passe-t-il derrière les paupières ? Ce regard intérieur, qu’on pourrait croire introspectif, vers quel monde porte-t-il ? Est-il question d’un théâtre intérieur, dans l’esprit peut-être de cette œuvre de Giuseppe Penone de 1969 intitulée « Rovesciare i propri occhi » (qu’on pourrait traduire par « Retourner ses yeux, les tourner vers l’envers » ou même peut-être « Tourner les yeux vers l’intérieur ») ?

FP : Masques, gants, mains sur le visage, regards détournés, tous ces gestes peuvent exprimer de nombreux sentiments (rougir, disparaître, refuser de voir, etc.).

De fait, il n’y pas de face à face avec des portraits peints, avec des regards. Si les yeux sont fermés, on regarde la peinture, sans chercher à établir de dialogue avec la figure. J’ai l’impression qu’on regarde alors vraiment la matière picturale, et on s’abstrait un peu d’un échange « sentimental » avec le portrait.

   

VL : Dans l’univers que vous créez, on croise fréquemment des personnages hybrides. Le corps humain est associé à celui d’autres animaux. Je songe, entre autres, à la série des douze gravures « L’art d’accommoder le gibier » (2011).  Que vous permet d’exprimer la chimère ? Et dans cette série particulière, voulez-vous revenir sur la pratique de la chasse ?

FP : Dans cette série, la proie devient le chasseur, la victime devient le prédateur. Je voulais inverser notre rapport au monde. C’est un mouvement nécessaire, non ?

Françoise Pétrovitch, L’art d’accommoder le gibier, 2010,
Galerie Semiose, © Hervé Plumet

VL : Vous avez exposé dans des lieux chargés d’histoire et remplis de témoignages de modes de vie où la vénerie avait une place importante. Ces lieux vous ont-ils inspirée ? Comment avez-vous fait dialoguer votre travail avec eux ?

FP : Je pense ici par exemple à l’exposition Habiter la Villa à la Villa Savoye de Le Corbusier à Poissy (2023).

J’ai réalisé des œuvres destinées à s’intégrer, à s’adapter à l’architecture du lieu. Avant d’être une icône de l’architecture moderne, la Villa Savoye est une maison, un espace domestique. Je me suis inspirée de l’architecture, de son histoire, des personnes qui l’ont habitées, et surtout de la gamme de couleur Salubra conçue par Le Corbusier.

  

VL : Actuellement vous présentez au Mans une exposition mêlant aussi bien des dessins qu’une vidéo « immersive ». Comment avez-vous conçu ce dialogue ? À travers cette forme hybride voulez-vous explorer, au-delà de ce qui sépare ces médiums, ces zones frontières, imprécises, mouvantes que l’on met entre l’humain et les autres animaux, mais aussi entre l’enfance et les autres âges ?

FP : Je crée des vidéos depuis 2011, en collaboration avec Hervé Plumet qui réalise le son et le montage. Toutes sont accompagnées de dispositifs particuliers les mettant en scène.

Dans la vidéo Vertical présentée au Mans, il est question de figures qui apparaissent. Le Gilles (ou Pierrot) de Watteau en constitue le point de départ. C’est un personnage hiératique, fragile et opaque. Les figures se dressent, graphiques, évanescentes, tout en noir et blanc. Le son est hypnotique, on perçoit un rameur, le ronronnement d’un chat, un rythme très puissant. Les figures émergent du noir ou apparaissent brusquement dans la lumière blanche, comme sur l’écran de leur vie intérieure.

Françoise Pétrovitch, Hervé Plumet, Vertical,
2016, vidéo de 4′ 30”

VL : Au Mans également, vous participez à la performance Se laisser pousser les animaux lors de laquelle vos travaux entrent en résonance avec la danse de Sylvain Prunenec. Comment vivez-vous cette expérience insolite ? Voudriez-vous nous dire quel sens vous donnez à ce titre énigmatique, qui joue avec la langue ? Les animaux peuvent-ils représenter nos ailes ? Vers quel horizon nous conduiraient-ils alors ?

FP : En collaboration avec Hervé Plumet et Sylvain Prunenec, Se laisser pousser les animaux est l’expérience sur scène d’une métamorphose entre le végétal, l’animal et l’humain qui cohabitent et fusionnent. Le jeu des figures, des couleurs, des matières, et des changements d’échelle organisent la relation entre le dessin, la danse et le son.

Le monde qui se déploie ici est celui d’une nature dérangée où des vestiges d’animalité – os, queue de renard argentée, gant-patte démesurée – sont abandonnés. Dans cet univers instable, ils sont une invitation à créer de nouvelles chimères.

VL : Dans votre œuvre, diriez-vous que les jeux de mots et d’images ont une place particulière ? Et plus largement, l’humour est-il pour vous un ressort essentiel, dans votre création, mais ailleurs aussi ? Si c’est le cas, que vous permet-il de dire, de montrer, mais encore de provoquer chez le public ?

FP : L’humour est évidemment un ressort essentiel dans la vie ! On le retrouve dans certaines de mes séries comme les herbiers, les monotypes…

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Françoise Pétrovitch, Hybride, 2021, Galerie Semiose, ©A. Mole

À propos de Françoise Pétrovitch

Site de l’artiste

Galerie Semiose

 

Actualité

Depuis 2019, le musée invite un artiste contemporain à venir dialoguer avec ses collection. Pour la neuvième édition de ces « Dialogues inattendus », il a choisi d’inviter Françoise Pétrovitch. Artiste majeure de la scène artistique française et internationale. Dans ce « Dialogue inattendu » présenté du 9 avril au 14 septembre 2025, elle a choisi de prendre pour interlocutrice une autre femme artiste, Berthe Morisot, avec laquelle elle partage les thématiques du portrait, de l’enfance, de l’adolescence et de l’intime. Ici, le parallèle entre les Roses trémières de Morisot et les Soleils de Pétrovitch met en lumière un autre pont entre les deux peintres : le rapport très incarné et intérieur à la nature.

L’exposition La vie est une plaie dont je ne me défais pas, dont le corpus d’œuvres est issu de la collection Francès, explore l’énergie brute qui surgit de la faille, de l’inassouvi et du tourment.  Une théâtralité assumée : entre figuration et suggestion, les œuvres cultivent une tension dramatique où le regard oscille entre familiarité et étrangeté. Elles convoquent un imaginaire en équilibre précaire, oscillant entre tradition et avant-garde, où l’innovation repousse sans cesse les frontières de l’esprit. 
Un voyage aux confins du réel : en puisant dans l’expression du trouble et du fragmentaire, cette immersion interroge chacun sur les porosités entre le visible et l’invisible, le conscient et l’inconscient, l’histoire et le mythe.  L’urgence de créer : si la plaie ne se referme jamais, c’est qu’elle est aussi une source intarissable d’inspiration. Cette exposition met en avant des artistes internationaux reconnus et émergeants, qui au travers de pratiques différentes transforment l’indicible en forme, qui donnent à voir l’indomptable. Ici, la peinture figurative, la photographie ou la sculpture ne racontent pas seulement une histoire, elles la traversent, elles l’incarnent, elles la bousculent. 
Une réflexion sur notre époque : à travers ces œuvres, se dessine une interrogation sur la condition humaine, sur ses doutes et ses tensions. Qu’il s’agisse de bouleversements sociaux ou de préoccupations plus intimes, cette exposition capte l’écho d’un monde en perpétuelle métamorphose.
Plongez dans une exploration où l’art devient un exutoire, un cri, un mirage, un ancrage. Une invitation à se confronter à ce qui nous trouble, à ce qui nous hante, et à ce qui, inlassablement, nous pousse à créer.

 

Françoise Pétrovitch, Peau d’âne, émaillage, 2018

vincentlecomte

Vincent Lecomte est artiste, chercheur et enseignant en esthétique. Sa thèse, « Un Penser animal à l’œuvre », étudie les façons dont l’art convoque l’animal pour mettre en évidence d’autres consciences possibles du monde. Il a publié notamment L'Art contemporain à l'épreuve de l'animal (2021) et mène, en parallèle de sa recherche, une carrière d'artiste de de compositeur.

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OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
vincentlecomte (8 mai 2025). Françoise Pétrovitch et Vincent Lecomte | Derrière les paupières, au-delà du sentiment… | Carnet Animots | mai 2025. Animots. Consulté le 20 juin 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/13w64


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