Drew Dodge et Vincent Lecomte | Que cherchent les chiens ? | Carnet Animots | nov. 2025
Drew Dodge est un peintre de 24 ans d’origine californienne, qui a habité en Arizona et, aujourd’hui, vit et travaille à Brooklyn.
Dans ses tableaux, hauts en couleurs, évoluent souvent des personnages tenant aussi bien du canin que de l’humain, revêtus d’un pelage foisonnant aux tons variés. Entourés d’objets symboliques, immergés tantôt dans des paysages désertiques tantôt maritimes, voire parfois dans une végétation luxuriante, ces êtres fantastiques, seuls, en duo ou plus rarement en trio, sont occupés à des activités absorbantes et mystérieuses ou paraissent s’en reposer.
Les inspirations de Drew Dodge sont autant à chercher du côté de la peinture classique, notamment américaine, du surréalisme, que de la photographie du XXe siècle, de la culture pop comme le dessin animé ou la bande dessinée ou de la danse.
L’œuvre de l’artiste, qui a déjà exposé aux États-Unis et en Europe, se distingue également par ses formats souvent imposants. Au côté de ses créatures hybrides, sont apparus récemment des animaux tels que des oiseaux, un requin, un alligator ou une licorne. À partir de 2025, sa production met également en scène du mobilier tel que des chaises ou des tables, voire des cieux irisés. Si dans ces dernières œuvres la zooanthropie a disparu, une sorte de mouvement vital paraît persister, comme si le motif n’avait plus besoin du vivant pour trouver sa vivacité.

Vincent Lecomte : Votre œuvre est hybride à bien des titres : personnage récurrent mi-canin mi-humain couvert de poils à l’aspect végétal, certains tableaux mêlant couleurs froides et chaudes, ambiances nocturne et diurne… Que révèle selon vous cette hybridité, tant dans votre œuvre que dans le contexte dans lequel elle se crée ?
Drew Dodge : Les personnages que je peins se situent entre l’humain et l’animal ; ils existent naturellement dans un même espace mystérieux. Cette « espèce » de personnage que je peins me place, ainsi que le spectateur, à une certaine distance. Une distance singulière où nous nous sentons suffisamment proches pour nous reconnaître en eux, mais aussi suffisamment éloignés pour que le mystère reste intact. Je souhaite donner à mes peintures un certain niveau d’intimité et de contradiction ; ce personnage quasi humain permet d’y intégrer un sens profond autant qu’une absurdité nécessaire. Peindre cette figure éveille ma curiosité, car à chaque tableau j’apprends quelque chose de nouveau à son sujet : de nouveaux comportements, des règles, des modes de vie ou des rituels différents auxquels elle se livre. Ces images portent d’abord en elles une humanité qui permet de s’identifier et d’entrer en synergie avec la profondeur émotionnelle et le chaos du monde, aussi bien extérieur qu’intérieur, de ces personnages.
VL : Votre bestiaire se réduit souvent à un seul animal dont vous dressez obsessionnellement le portrait. D’où vient cette manière de concevoir l’animal ? Et le chien particulièrement ? Que représente le chien pour vous ?
DD : Au début, lorsque j’ai commencé à créer ce personnage, ce qui m’intéressait avant tout c’était d’explorer des sensations, précisément l’envie de parcourir un espace pictural comme avec des doigts recouverts de poils. Peindre ces scènes me donnait l’impression d’entrer dans un nouveau monde ; ce sentiment suffisait à guider ma curiosité. Au fil du temps, à mesure que je fouillais la psychologie de ce personnage, les peintures se sont mises à prendre une forme surréaliste. Il s’agit pour moi d’expérimenter l’intersection entre l’humain et l’animal, entre le sauvage et le domestique ; ce personnage ressemblant à un chien pouvait donc nous intéresser, nous toucher. Il évolue dans un environnement étrange et indéfini, où des mystères sont à découvrir, où s’ouvre un espace narratif infini.
VL : Vous êtes-vous intéressé à des études précises du chien, aux liens qu’il a tissés avec l’humain dans cette coévolution si singulière ? Si oui comment ces études ont-elles influencé votre œuvre ?
DD : Je pense que cette question révèle une des manières dont mon travail est interprété, mais je m’intéresse surtout à la façon dont ce personnage sert à dissimuler mon identité. Il est vraiment devenu mon avatar et, d’une certaine manière, il me protège. Je peux être extrêmement vulnérable lorsque je crée. Malgré le fait que mes tableaux soient très personnels, spirituels et émotionnels, il ne s’agit pas d’autoportraits figuratifs. Par ailleurs, je m’intéresse surtout à l’ambiguïté de mes personnages ; ce ne sont pas seulement des chiens ni seulement des humains.
VL : Ce personnage chimérique, est-ce seulement un autoportrait métaphorique ou également le portrait d’une humanité ambiguë ?
DD : Les deux. Mes peintures sont entièrement autobiographiques ; les personnages anthropomorphes me permettent donc de me dissimuler et de cacher des parties intimes de ma vie. Ils extériorisent ma façon de voir les choses, ma spiritualité, ainsi que toutes les souffrances et tous les plaisirs que je vis. J’espère que les gens peuvent s’identifier et entrer en relation spirituelle avec eux, car l’éventail des émotions qu’ils expriment est universel.

VL : Dans la création, notamment contemporaine, de nombreux artistes ont mis en scène le chien de manière figurée ou en le faisant directement participer. Certains d’entre eux vous ont-ils inspiré ?
DD : Peut-être inconsciemment, mais je me souviens que la première fois que j’ai dessiné une figure mi-chien mi-humain dans mon carnet de croquis c’était très spontané. Cela m’a semblé naturel ; c’était pour moi le meilleur moyen de me camoufler. Cette figure m’a dispensé de la pression de me représenter moi-même ; je pouvais me cacher derrière et peindre des scènes dans lesquelles ma vulnérabilité était incarnée par un être qui ne me ressemblait pas, un avatar.
De manière générale, je suis davantage inspiré par les peintures figuratives historiques, notamment les portraits. On le retrouve surtout dans les postures qu’adoptent mes personnages.
VL : Avez-vous établi une relation particulière avec certains animaux dans votre existence, un chien par exemple ?
DD : J’ai toujours grandi entouré de nombreux chiens. Je vivais en Arizona, et tous les chiens que nous avons eus étaient des rescapés : trouvés au bord de la route, perdus ou blessés. Comme ils avaient été abandonnés par leur ancien propriétaire et avaient dû vivre dans le désert de l’Arizona, ils avaient adopté un comportement sauvage souvent difficile. S’ils étaient affectueux et reconnaissants d’avoir été sauvés, ils avaient toujours un côté chaotique qui, je pense, se retrouve inconsciemment dans mes peintures. J’ai maintenant un teckel, très différent des chiens de mon enfance. Mais je pense que je suis inspiré par sa maladresse, sa curiosité, sa timidité et la simplicité de son mode de vie.
VL : Dans la présentation de votre travail sur le site de la galerie Sémiose, on peut lire que l’une de vos influences est « le dessin animé, avec son mélange étrange et séduisant de personnages animaux et humains. » Quel rôle a pour vous l’anthropomorphisme dans votre œuvre ?
DD : J’aime la façon dont les dessins animés offrent un savant mélange d’absurdité, de juxtaposition et d’intelligence dans leur manière de raconter une histoire profonde, mettant généralement en scène le bien et le mal. Ils sont souvent ludiques, séduisants et théâtraux.
Beaucoup de gens m’ont dit que mes peintures leur rappelaient Where the Wild Things Are de Maurice Sendak.

VL : Qu’en pensez-vous ? Et quels dessins animés ou bandes dessinées vous ont captivés voire ont représenté des sources d’inspiration ?
DD : Je trouve cela flatteur, car j’admire la force mêlée de douceur, le côté effrayant et pourtant convivial, ainsi que le mystère, qui émanent de ces illustrations.
VL : Certes, les personnages dotés d’une importante pilosité et la nature luxuriante dans laquelle ils évoluent peuvent y faire songer, même votre style est tout autre. De manière générale, on retrouve dans votre œuvre cette espièglerie propre aux animaux de dessins animés ou de bandes dessinées. Pourriez-vous faire le portrait psychologique de ce chien silhouette qui se glisse dans des décors de cartoon ?
DD : Comme il s’agit d’une œuvre autobiographique, je peins à travers des émotions liées à l’amour, à la perte, à la passion, à la sexualité, à la curiosité, à la magie, à la spiritualité, à l’espoir, au destin, à la terreur, à la vie, à la mort et à la contradiction.
Toutes ces émotions sont présentes dans l’esprit de mes personnages et se manifestent dans les environnements qu’ils habitent, les objets avec lesquels ils interagissent et leurs comportements. Il y a toujours une curiosité ou une espièglerie qui guide la scène.
VL : Dans certains tableaux le personnage chimérique se dédouble. Quelle fonction peut prendre ce double ? Ce phénomène spéculaire fait-il écho à quelque questionnement sur le narcissisme ?
DD : Je réalise des peintures théâtrales avec plusieurs personnages afin d’entremêler et de juxtaposer une multitude d’émotions. J’adore les peintures de Peter Paul Rubens, où de nombreux personnages et animaux s’entassent les uns sur les autres, créant un chaos à l’intérieur du tableau et semblant presque jaillir hors de l’image.
Lorsqu’il y a deux personnages, il y a de l’intimité, de la tension et un puissant jeu de va-et-vient. J’aime laisser transparaître une force à l’intérieur de mes peintures, qu’il s’agisse d’une force dramatique, robuste, comme dans une peinture de Rubens ou d’une force tendre mais sévère comme dans les performances de Marina Abramovic et Ulay.

VL : Contrairement aux animaux, les végétaux sont représentés de façon variée, tant dans les couleurs que dans les formes ; de nombreuses espèces de plantes sont visibles dans votre peinture. Même l’animal semble « végétalisé », c’est comme un « végétalanimal ». Comment expliquez-vous cette omniprésence du végétal ?
DD : Les plantes sont généralement très érotiques dans mes peintures. J’ai souvent peint l’aloe vera, qui pousse autour de la maison de mon enfance, dans le désert de l’Arizona. La façon dont elles s’entrelacent et se tordent est vraiment séduisante. Les extrémités de la plante peuvent devenir rouges, presque incandescentes, exprimant un certain érotisme. J’ai également peint le cactus saguaro à plusieurs reprises, car je suis impressionné par son humanité. Il est charnu et, en dessous, il possède un squelette en bois très similaire à l’ossature humaine. Il se dresse de manière monumentale, presque comme une crucifixion, avec des bras et des appendices qui poussent à partir de son torse. Il est même recouvert de la tête aux pieds d’épines qui font penser à des cheveux.
Par ailleurs, la chair du cactus conserve facilement les marques et garde en mémoire les traces laissées par les oiseaux qui le picorent ou d’autres animaux. Lorsqu’il meurt, il tombe, pourrit et abandonne derrière lui un squelette. Ayant grandi dans le désert, le cactus est pour moi un objet très puissant et significatif. Lorsque je suis revenu en Arizona il y a quelques années, je me trouvais dans le désert de Saguaro, j’ai remarqué que mon ombre se projetait parfaitement sur le cactus. J’en ai été émerveillé : mon corps se découpait parfaitement à l’intérieur de ce cactus. On aurait dit une œuvre d’Ana Mendieta. La photographie que j’ai prise de cette ombre à l’intérieur de ce cactus est ma déclaration d’artiste, un véritable manifeste. Elle capture un moment de synergie entre mon corps et le paysage, un moment où je me suis vu dans le paysage et où j’ai éprouvé un sentiment d’appartenance et d’émerveillement.

VL : Votre peinture est riche par les couleurs, les contrastes, les procédés utilisés, le soin accordé des détails. Cette façon de peindre exprime-t-elle quelque chose de vous ?
DD : Il y a des zones dans mes tableaux, comme le ciel, qui m’offrent pas mal de liberté, où je peux utiliser de grands coups de pinceau. J’aime pouvoir libérer ce genre d’énergie dans la peinture. De plus, le simple fait de mélanger des couleurs pures peut avoir un impact psychologique important sur moi, produire une certaine magie.
Si le ciel est une zone unique où je peux être très expressif, j’aime aussi être méditatif et passer beaucoup de temps à travailler sur un objet. Peindre de cette manière me permet de m’asseoir, de m’arranger avec mes émotions, et d’insuffler une signification profonde à chaque objet que je peins. Par exemple, peindre un coquillage pendant 6 mois le rend spécial ; il jouit alors d’une intensité émotive immense. L’état d’esprit dans lequel je me trouve lorsque je commence les peintures est très différent de celui dans lequel je me trouve lorsque je les termine, plusieurs mois plus tard. Il est ainsi gratifiant d’insuffler une signification sur une longue période, agissant sur chaque aspect de la peinture.
VL : La peinture du sauvage, ce mélange de primitivisme et de minutie, cette frontalité voire ce hiératisme aussi, me font songer, entre autres, au Douanier Rousseau. On peut voir également dans ces scènes peintes quelque chose du réalisme magique, ou les prendre pour les illustrations de quelque conte ou légende narrant les aventures d’un unique héros à l’allure fantastique. Vous reconnaissez-vous dans ces références ou dans d’autres modèles artistiques ou littéraires passés ou présents ?
DD : Absolument, il y a tellement de formes d’expression artistique qui m’inspirent : la peinture, la performance, le théâtre, la danse, la photographie, l’artisanat, etc. Je pense que je suis attiré par les artistes qui parviennent à exprimer une vision particulière d’eux-mêmes et un regard unique tout en s’adressant aux autres de manière synthétique. Mon tableau préféré est Flasher de Dana Schutz. Elle peint un personnage qui ouvre sa chemise pour en exposer l’intérieur et sa poitrine, mais elle le peint de telle manière que le vêtement et le corps du personnage ne font plus qu’un, figurant une toile recouverte de marques abstraites. Ce geste de s’exposer – ou de s’ouvrir au monde et au spectateur – et de révéler un champ élémentaire de couleurs et de formes m’a vraiment frappé ; il parle profondément à l’âme usant des qualités les plus fondamentales de la peinture. Je suis également inspiré par les fleurs délicates et sévères d’O’Keeffe et de Mapplethorpe, les déserts surréalistes de Dali, les chorégraphies élémentaires et viscérales de Pina Bausch, et tant d’autres œuvres.

VL : De quelle façon la danse – sur plateau ou filmée – a-t-elle pu représenter une source d’inspiration pour vous ?
DD : J’ai vu Kontakthof de Pina Bausch lors de ma première visite à Paris, au Palais Garnier, et cela m’a beaucoup marqué.
J’ai été très inspiré par les costumes en soie audacieux et la plastique qu’exprimaient les mouvements des danseurs.
Il y avait des moments de sexualité, de noirceur, de souffrance, d’amour et de drame.
J’ai été très attiré par la théâtralité qui emportait les danseurs, la scénographie dans son ensemble. J’aime me représenter mes personnages existant, ou se produisant sur une sorte de scène, peut-être une plage, une falaise, voire un endroit extraterrestre et surréaliste. Lorsque je les peins, je me sens comme un chorégraphe, dans le sens où je sculpte et entremêle les personnages dans une performance dramatique au sein d’une composition théâtrale.

VL : L’uniformité de vos personnages, donnée par leur dimension et leur physiologie et leur allure similaires, fait également penser à des marionnettes qui auraient pris soudain vie. Cet univers vous est-il familier ? Seriez-vous intéressé par la réalisation de marionnettes ?
DD : J’ai toujours aimé Paula Rego ; je sais qu’elle travaillait à partir de marionnettes qu’elle fabriquait elle-même.
Je suis fasciné par les marionnettes surdimensionnées animées par plusieurs personnes et qui apparaissent généralement dans le cadre de festivals ou de processions. J’aimerais beaucoup peindre une procession où les personnages pourraient manipuler une sorte de structure sculpturale ressemblant à une marionnette, cette scène aurait toute sa place dans mon univers rituel.

VL : Vous réalisez surtout des grands formats dans lesquels vos personnages ont presque taille humaine. Pourquoi ce choix ? Qu’est-ce que ce format apporte au processus créatif et à l’œuvre finie ?
DD : Peindre à cette grande échelle est tellement agréable. C’est tellement immersif ; cela me permet d’entrer complètement dans la création en cours. Lorsque je peins un coucher de soleil en grand format, c’est une expérience qui engage tout mon corps, m’obligeant à me déplacer d’un bout à l’autre de la toile. Ça me donne l’impression de découvrir le même monde que les personnages peints à taille humaine que j’y place. Le fait que mes yeux et mes mains soient de la même taille que les leurs me fait éprouver une proximité mêlée d’une étrangeté particulière.
VL : En voyant vos tableaux je serais tenté de penser qu’il s’agit de grands formats pour de grands récits. En effet, « dissimulant » la part autobiographique, ces espaces et ces figures métaphoriques semblent animés par un mouvement mythologique universel. Mais certains mythes, certaines légendes ou autres récits ont-ils retenu votre intérêt ? Et dans ceux-ci certaines figures chimériques vous fascinent-elles ?
DD : À mes débuts dans la peinture, je me suis inspiré du mythe grec d’Europe emportée par Zeus déguisé en taureau. Ce qui m’a intéressé dans ce récit, c’est la capacité de Zeus à passer d’un corps de dieu, à la forme masculine, à celui d’un animal. Cela a fait naître en moi l’idée surréaliste selon laquelle la séparation entre l’humain et l’animal se révélait plus ambiguë, devenait magique. Je pense que le mythe d’Europe a inconsciemment influencé mon personnage hybride animal-humain que je continue toujours à peindre.
Pour moi cette ambiguïté permet aussi d’aborder la perspective queer avec douceur, sensibilité, sensualité et spiritualité. J’ai inclus à plusieurs reprises des taureaux ou des crânes de taureau dans mes peintures, souhaitant incarner et mêler la masculinité de l’animal et la mienne dans un élan spirituel.

VL : Les cadres dans lesquels évolue ce personnage font penser à une certaine esthétique de représentation des paysages états-uniens. Avez-vous des inspirations précises en la matière ? Avez-vous fréquenté personnellement des paysages de ce type ?
DD : Comme je l’ai dit, j’ai grandi en Arizona, entouré de montagnes et de déserts arides et désolés. J’y ai vécu jusqu’à ce que je parte étudier la peinture à la RISD (Rhode Island School of Design). Mes parents ont divorcé et je devais prendre la voiture le week-end pour aller voir mon père, qui vivait à plusieurs heures de route, dans une région plus rurale de l’Arizona. Pour me rendre chez lui, je traversais des déserts où il n’y avait rien d’autre que des rochers et des cactus. Tout naturellement, le désert est devenu un lieu très riche en émotions pour moi. C’était un lieu isolé, calme, introspectif, psychologique, où j’ai découvert ma sexualité et vécu des émotions et des troubles intenses. Lors de ces trajets vers la maison de mon père, j’ai trouvé un sens aux rochers, aux cactus et au ciel. Le désert était pour moi un espace vierge, comme une toile blanche. Il absorbait mes émotions et je me sentais appartenir à ce paysage. C’est un lieu spirituel pour moi. En ce sens, je me sens très proche de Georgia O’Keeffe. Je m’identifie à son indépendance, sa sexualité et sa spiritualité.

VL : Qu’est-ce qui vous touche dans l’œuvre – et peut-être la vie – de Georgia O’Keeffe ?
DD : Ce que j’admire le plus chez O’Keeffe, c’est sa capacité à unir la spiritualité, l’âme américaine et une sexualité sensuelle et profonde, dans une seule et même image. Elle insuffle aux objets et aux paysages une vie, des aspirations, sa curiosité, son corps et son expérience. Tout ce que je souhaite faire dans mon travail. Mon intérêt pour O’Keeffe transparaît surtout dans mes peintures de crânes de taureaux. Pour moi, le crâne est à la fois vivant et mort, il vous regarde mais avec des orbites vides, c’est un souvenir, un centre, un cerveau, un cœur, fragile mais robuste, vivant mais vide, à la charge empathique, quelque chose comme une fleur séchée, un instrument, à la fois masculin et féminin, un objet sans intérieur ni extérieur, sensuel : le symbole robuste et puissant de la vie et de la mort. Pour moi, le crâne résiste au temps, et c’est un objet vers lequel je reviens sans cesse. C’est un instrument de musique qui produirait tant de notes que, lorsque mes personnages interagissent avec lui, s’exprime la sévérité d’une confrontation, mais aussi une douceur, une tristesse, une complexité émouvante.
VL : La culture amérindienne, dans ses rites, ses récits, ses modes de figuration, est-elle pour vous une source d’inspiration ? Et, si c’est le cas, de quelle façon ? Que représente-t-elle pour vous ?
DD : Ayant grandi en Arizona, j’ai beaucoup appris sur la culture des Amérindiens ; j’ai toujours admiré la façon dont leur art était si étroitement lié à la terre et aux matériaux naturels, élémentaires. J’admire cette manière de trouver une synergie avec la nature et le paysage et d’en tirer une spiritualité. Quand j’ai commencé à peindre, les personnages étaient toujours situés dans le désert, donc naturellement, ils interagissaient avec des matériaux autochtones. J’hésitais à les faire interagir avec des matériaux artificiels, le lien avec le désert était donc direct et évident.

VL : Pourquoi cette présence récurrente également de ce crâne de bovidé qui est toujours présenté en étroite relation avec le personnage anthropomorphe ?
DD : Le crâne de taureau est depuis longtemps un symbole omniprésent dans mon travail. Je souhaitais aborder le taureau, symbole de la masculinité à travers l’histoire de l’art, sous un angle queer.
Je voulais réinterpréter cette dimension masculine à partir d’un point de vue fragile, intime et sensible. J’aimais le fait que le crâne semble à la fois vivant et mort : c’est un visage qui est habité d’un regard vif mais vide. Le crâne exprime également une sexualité avec ses cornes et ses orbites.
Les os sont le cœur du corps, une autre forme de cœur, et je m’intéressais au crâne en tant que symbole de vie, et pas seulement de mort. C’est un objet si complexe et multidimensionnel que mes personnages développent naturellement une relation intime et curieuse avec lui. Peindre le crâne a représenté un exercice destiné à me rapprocher de moi-même, une tentative d’atteindre mon essence. C’est une autre forme d’autoportrait. Je peux percevoir à travers le crâne beaucoup d’émotions, c’est très symbolique, très puissant, pour moi. C’est pourquoi il est fréquemment présent dans mes peintures.
VL : Vous traitez la sensualité sur un mode très singulier. Si vous mettez parfois en scène vos personnages dans des relations très étroites, leur pilosité abondante et colorée semble nous refuser l’accès à toute projection charnelle. Sauriez-vous expliquer cette distanciation ?
DD : La sensualité et la séduction sont des éléments puissants dans mes peintures. Je vois la sexualité dans tellement d’éléments de ma peinture. Il y a cette énergie sexuelle lorsque deux plantes s’entrelacent et forment une hélice, dans la façon dont les mains d’un personnage enserrent un crâne, ou lorsqu’une corde glisse le long du dos. Il y a même de la sensualité dans la peau humide et glissante de ce requin échoué sur la plage.
Toutefois, si les personnages sont proches les uns des autres, il ne s’agit pas d’une relation sexuelle. J’aime rediriger leur sexualité et la projeter sur d’autres choses, comme des objets ou le paysage. Cette énergie passionnée donne vie au paysage et le fait vibrer. Je trouve beaucoup plus excitant de découvrir la sensualité et la séduction dans des objets et des ensembles.

VL : L’érotisme est-il l’un des moteurs de votre œuvre ? Et, si oui quelle fonction y a-t-il ?
DD : Oui, l’érotisme est une force puissante dans mon travail. J’essaie de mettre en avant la sexualité, car elle fait référence à l’expérience et à l’identité ; elle est au centre du corps. Il est également important pour moi de mettre en lumière un regard queer dans cet univers ; c’est une façon de comprendre mon corps au travers du paysage. Me voir dans le monde et y trouver ma place.
VL : De quelle façon, selon vous, le « regard queer » transparaît-il dans vos œuvres ?
DD : Quand je parle de mon intérêt pour O’Keeffe et le mythe d’Europe, je souhaite aborder ces histoires à travers un prisme queer, avec une douceur, une profondeur, une sexualité et une spiritualité queer.
D’après moi, la queeritude va bien au-delà de la sexualité ; elle devient spirituelle. Elle est ancrée en moi et dans la perception de mon propre corps, de mes désirs et de ma façon de voir les choses. Par exemple, dans Colossal Heartstring Circuit, le requin échoué sur la plage est pour moi comme doté d’une sexualité extrême avec sa peau glissante, la façon dont il est attaché à un bâton par une corde et sa bouche ouverte. La corde est particulièrement sensuelle dans sa façon de courir sur le corps de deux personnages, descendant le long du dos de l’un et s’entrelaçant entre les jambes d’un autre allongé.

VL : Pensez-vous plus tard représenter d’autres êtres, humains, non humains ou hybrides ?
DD : Oui, ces derniers temps, je m’intéresse beaucoup au travail non figuratif et à la peinture de meubles : chaises, lits, tables de chevet. Le mobilier prend sens grâce au corps ; une chaise est incarnée même lorsqu’elle est vide. Elle a des bras et des jambes, elle est assise comme une personne, imaginer quelqu’un assis dessus est une évidence. Une table de chevet est un objet très intime, et un tiroir ouvert peut faire penser à un crâne ou à un cœur. Un lit est un espace psychologique et surréaliste, propice aux rêves…

À propos de Drew Dodge

OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
vincentlecomte (11 novembre 2025). Drew Dodge et Vincent Lecomte | Que cherchent les chiens ? | Carnet Animots | nov. 2025. Animots. Consulté le 8 mars 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/154lq










